Bestov
Les Rita Mitsouko
Album CD – 2001
:
Nuit D’ivresse
Don’t Forget The Nite
Le Petit Train
Hip I’it
Cool Frenesie
Andy
Femme De Moyen-Age
La Sorcière Et L’inquisiteur
Mandolino City
Singing In The Shower
Les Amants
Les Histoires D’a
Y’a D’la Haine
Alors C’est Quoi
C’est Comme Ca
Clown De Mes Malheurs
:
The Definitive Collection
People Need Love
He Is Your Brother
Angel Eyes
Love Isn’t Easy – But It Sure Is Hard Enough
The Winner Takes It All
So Long
On And On And On
Lay All Your Love On Me
I Do, I Do, I Do, I Do, I Do
When All Is Said And Done
Head Over Heels
Dancing Queen
Under Attack
The Name Of The Game
Eagle
Voulez-Vous
Summer Night City
Does Your Mother Know
Boucbelair
Louis Chedid
Album CD – 2001
Coule L’eau
Un Peu D’amour
Baby Sister
Combien
L’enfant Qui Joue Au Ballon
Libre Comme L’air
La Complainte Du Maitre Nageur
Les Gens
Mesdames Mesdemoiselles
Chaque Jour Est Une Vie
De L’amour Dans L’air
Mon Moi & Moi
Triste Et Malheureux Comme La Pierre
Ouverture
Bouc Bel Air
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[cherry_tab title= »Clips & Biographie »]
En opérant la fusion du courant post-punk, de l’idéologie indie-rock et de la pop mélodique, Nirvana s’est imposé comme le groupe alternatif par excellence, donnant par la même occasion ses lettres de noblesse à un genre musical cantonné jusque là au milieu underground.
L’histoire de Nirvana se confond en réalité avec celle de son leader charismatique: Kurt Cobain. Très controversé par les médias, Cobain fait figure -à son corps défendant- de porte-parole d’une génération désabusée, ballottée entre mondialisation économique, problèmes environnementaux et consommation de drogues.
Né le 20 février 1967 à Hoquiam, Kurt vit la plus grande partie de son enfance à Aberdeen, dans l’Etat de Washington (USA). La séparation de ses parents en 1975 le déstabilise complètement. Il passe les années suivantes en compagnie de son père jusqu’au jour où ce dernier, excédé par leurs disputes continuelles, le vire du domicile.
Adolescent, Kurt trouve refuge auprès de sa famille et aboutit finalement chez un oncle musicien. C’est à cette époque qu’il se familiarise avec la musique punk locale. Après avoir abandonné ses études, Kurt vit de petits boulots minables et parvient difficilement à nouer les deux bouts. Il s’essaie aux graffitis et au LSD.
Kurt démarre son parcours artistique en 1985 au sein d’un groupe baptisé « Fecal Matter ». Une expérience très éphémère qui lui permet cependant d’entrer en contact avec Chris Novoselic. Kurt et Chris décident de fonder un groupe et d’écumer les bars d’Aberdeen, histoire de se faire un peu de blé en « poussant la chansonnette ».
Le groupe change de patronymes à maintes reprises (Skid Row, Bliss, Throat Oyster, Windowpane, …) avant que les deux compères ne se fixent définitivement sur Nirvana, séduits par la caractère mystique de la réincarnation.
Après avoir recruté Dale Crover en tant que batteur, Kurt (guitare et chant) et Chris (bassiste) enregistrent une première maquette qui retient l’attention du label underground Sub Pop. Les pontes de la firme de disques ne font pas vraiment preuve d’un enthousiasme délirant pour la musique post-punk de Kurt et de ses potes mais, bon, ils décident quand même de leur donner une chance. Résultat: un premier single, Love Buzz, reprise de Shocking Blue. Ce disque est écoulé à mille exemplaires.
Il s’ensuit une mini tournée de deux semaines sur la Côte Ouest dans des conditions assez dantesques: le groupe voyage à bord d’un van miteux et délabré. La formation s’attaque ensuite à son premier album: Bleac. On y retrouve cette ambiance sombre et rageuse, héritée des années passées à Aberdeen, ville crépusculaire où Kurt restera à jamais marqué par la séparation de ses parents.
L’album recueille un succès limité. Dans la foulée, le groupe entame une tournée aux États-Unis et en Grande-Bretagne. Nous sommes en 1989.
Cette même année, Kurt rencontre Courtney Love mais ce n’est que deux ans plus tard que les jeunes gens feront plus ample connaissance et tomberont véritablement amoureux. Un amour rapidement contrarié par les tournées incessantes du groupe.
En 1991, Nirvana prépare son deuxième album, Nevermind, avec la complicité d’un nouveau batteur: Dave Grohl. Cet opus, plus orienté pop que metal, va propulser Nirvana sous les feux des projecteurs et lancer le mouvement grunge.
Le titre Smells Like Teen Spirit, en particulier, fait un véritable carton. L’engouement est tel qu’il déstabilise Cobain, totalement dépassé par ce succès inattendu. Pour absorber l’onde de choc, l’ange aux cheveux filasses s’adonne à l’héroïne. C’est déjà le début de la fin…
Kurt Cobain et Courtney Love se marient en 1992 à Hawaii. La lune de miel sera de courte durée. La drogue, l’intrusion des médias dans leur vie privée, les frasques à répétition du couple -selon les propres aveux de Kurt, ils ne s’écoulaient pas un jour sans qu’ils se soient disputés-, tout cela fragilise terriblement les deux jeunes gens.
Quelques mois plus tard, Incesticide voit le jour. Un album fourre-tout dont le dépouillement musical n’est pas sans rappeler le premier album punk-rock Bleach. Sorte de retour aux sources…
Début 1993, Nirvana nous revient avec In Utero. Un album bien accueilli par la critique et plus facilement accessible au public. On y retrouve les vieux démons de Kurt: la drogue, sa phobie du « star-system », ses problèmes récurrents avec sa femme, autant de thèmes pas toujours très réjouissants distillés à travers ce mélange de styles propre au groupe de Seattle: pop, punk, hardcore et j’en passe. C’est l’album de la maturité.
Le groupe enchaîne ensuite avec une série de concerts pour terminer en apothéose avec l’enregistrement de l’album live Unplugged in New York. Un opus dépouillé, où la voix de Kurt, très douce, supplante la rage et les hurlements des débuts post-punk de Nirvana. Le chant du cygne, sans aucun doute.
Le 5 avril 1994, après une première tentative de suicide aux médicaments, Kurt se tire une balle dans la bouche. L’aventure Nirvana prend fin. Le mythe prend naissance…
Zicactu
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[cherry_tab title= »Discographie »]
Albums
1996 From The Muddy Banks of The Wishkah
1994 Unplugged in New York
1993 In Utero
1992 Incesticide
1991 Nevermind
1989 Bleach
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Motivés !
Zebda
Album CD – 2001 – Barclay
:
Bella Ciao
Motivés
El Paso Del Ebro
Nekwni S Warrach N Lezzayer
La Butte Rouge
La Cucaracha
Bandiera Rossa
Le Temps Des Cerises
Nicaraguita
L’Estaca
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[cherry_tab title= »Clips & Biographie »]
Tout commence à Bordeaux en 1981, lorsque Bertrand Cantat et Serge Teyssot-Gay se rencontrent au lycée et se découvrent des goûts musicaux communs: les Who, Led Zeppelin et AC/DC. Ils font ensuite la connaissance de Denis Barthe avec qui ils forment un groupe rock aux multiples patronymes: Psychoz, 6.35, Station Désirs, Noirs Désirs et finalement Noir Désir.
Frédéric Vidalenc les rejoint ensuite pour former le groupe, avec Bertrand Cantat au chant, Serge Teyssot-Gay à la guitare, Denis Barthe à la batterie et Frédéric Vidalenc (remplacé en 1996 par Jean-Paul Roy) à la basse.
En 1987 sort leur premier album Où veux-tu qu’je r’garde ?, aux tonalités anglo-saxonnes et aux textes poétiques. Cet album rencontre un succès certain grâce auquel ils vont se faire connaître sur la scène rock française.
Ils nous reviennent en 1989 avec un deuxième opus, Veuillez rendre l’âme (à qui elle appartient), et dont on retiendra des morceaux comme Aux sombres héros de l’amer ou encore Les Ecorchés. Cet album va leur apporter la célébrité, ce qui, à l’instar de beaucoup d’artistes, ne les enchante pas vraiment: ils refuseront de faire les promos à la télé et les interviews, d’où quelques tensions avec leur maison de disques.
En 1990 paraît l’album Du ciment sous les plaines, bien accueilli par le public mais pas par la critique. Il s’ensuit alors un an de silence complet pour le groupe qui a beaucoup de mal à vivre avec le succès.
En 1992, le groupe se retrouve pour enregistrer leur quatrième album, Tostaky, véritable bombe qui va initier tous les novices au style Noir Désir avec notamment les singles Tostaky et Marlène. Cet opus donnera lieu à une formidable tournée à travers l’Europe, qui alimentera les rumeurs sur les problèmes de voix de Bertrand Cantat, et à un double CD live en 1994: Dies Irae.
Mais, après cette tournée, les rumeurs prennent forme: Bertrand Cantat rentre à l’hôpital pour un problème aux cordes vocales. Suivra alors une nouvelle coupure pour le groupe durant laquelle le guitariste, Serge Tessot-Gay, en profite pour sortir un album solo: Silence Radio.
En 1996 sort 666.667 club, dans le plus pur style Noir Désir, et grâce auquel ils décrocheront deux Victoires de la Musique. Cet album sera fort plébiscité à cause du single L’homme pressé et du fabuleux clip à l’allure de manga.
On retrouve le groupe lors de la sortie de One Trip One Noise, un album de remix où se mêle une variété de styles musicaux (alternatif, techno, jazz). En décembre 2000, la compilation En route pour la joie envahit les bacs des disquaires. Elle retrace la carrière du groupe, agrémentée de quelques inédits.
fin novembre 2010, la séparation définitive du groupe est annoncé.
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[cherry_tab title= »Discographie »]
Albums
2005 En public
2001 Des visages et des figures
1997 One trip one noise
1996 666.667 club
1994 Dies irae
1993 tostaki
1991 Du ciment sous les plaines
1989 Veuillez rendre l’âme
1987 Ou veux tu que j’regarde
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[cherry_tab title= »Clips & Biographie »]
Les exégètes se posaient la question depuis fort longtemps déjà. Ils ont enfin trouvé la réponse: oui, il y a bien une vie après les boys-bands. Robbie Williams en est la preuve vivante. La seule peut-être d’ailleurs.
Nous vous ferons grâce des années Take That, ce boys band anglais au sein duquel le jeune Robbie développe son sens musical et humoristique. Mais comme toutes les belles histoires ont une fin, ce natif de Stoke-on-Trent sent le vent tourner au milieu des années 90 et décide de poursuivre sa carrière en solo, abandonnant à leur triste sort Mark Owen et ses potes, après six ans de vie commune. Il est vrai aussi que la personnalité un tantinet mégalo du sieur Williams supportait de plus en plus mal la compagnie des autres boys, en particulier celle de Gary Barlow.
Bref, notre énergique gaillard se lance tout seul, comme un grand, à l’assaut de l’univers impitoyable du show-biz dès 1995. Enfin, pas vraiment tout seul, car pour assurer ses arrières, il rejoint en tournée le groupe Oasis des frères Gallagher. Au programme: des chansons pop, de la déconnade et de la bière, surtout de la bière d’ailleurs.
Libéré de toutes contraintes vis-à-vis de ses anciens partenaires, il trouve heureusement le temps de composer l’une ou l’autre chanson. Freedom, par exemple, une reprise d’un morceau pop de George Michael, travaillée à la sauce Robbie et signée sous son nouveau label Chrysalis. Résultat: un splendide bide qui ne l’empêche toutefois pas de faire la une de la presse, mais pas vraiment pour ses talents musicaux: à force de faire la teuf, l’énergique Robbie accumule les kilos superflus et fait le désespoir de ses groupies.
Après quelques cures de désintoxication (alcool et drogue), la star nous revient en 1997 avec un second single: Old Before I Die.
Life Thru a Lens, son premier album, sort la même année. Il marche sur les plates-bandes d’Oasis et de Blur. L’accueil est plus chaleureux, surtout en Grande-Bretagne où le titre Angels est plébiscité.
Suit en 1998 I’ve Been Expecting You, auquel Neil Trennant (Pet Shop Boys) et Neil Hannon (Divine Comedy) collaborent. On y retrouve le titre kitsch Millenium, reprise du thème du James Bond « You Only Live Twice » de John Barry et Leslie Bricusse.
C’est une année faste pour notre bonhomme: il décroche 3 trophées lors des « Brits Awards »: le meilleur clip vidéo (Millenium), le meilleur artiste masculin et le meilleur single (Angels).
A la fin de l’été 2000, notre petit frimeur sympathique nous livre un nouvel opus: Sing When You’re Winning. On y retrouve la griffe du maître. En fait, l’extravagant Robbie de l’après Take That n’est pas fondamentalement différent de celui qu’avaient connu ses fans durant les heures de gloire du boys band. De nombreux coups de gueule et un cocktail musical somme toute assez classique: un mix de ballades pop à vous arracher des larmes et de morceaux rock plus hard. C’est sûr: Robbie fait désormais partie du gratin de la brit pop.
zicactu.com
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[cherry_tab title= »Discographie »]
Albums
2016 Heavy Entertainment Show 
2013 Swings Both Ways
2012 Take The Crown
2008 Reality Killed The Video Star
2006 Rudebox
2005 Intensive Care
2004 Robbie Williams Greatest Hits
2003 Live Summer 2003
2002 Escapology
2001 Swing When You’re Winning
2000 Sing When You’re Winning
1999 The Ego Has Landed (USA et Canada)
1998 I’ve Been Expecting You
1997 Life Thru a Lens
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[cherry_tab title= »Clips & Biographie »]
MC Solaar est sans conteste le plus célèbre des rappeurs français. Un titre de gloire auquel il faut ajouter le caractère sympathique du personnage, ce qui n’est pas toujours le cas du milieu hip hop, habituellement versé dans la provocation.
Né Claude M’Barali le 5 mars 1969 à Dakar, le jeune Mc Solaar n’aura pas vraiment le temps de profiter du soleil sénégalais, ses parents débarquant dans la banlieue parisienne alors qu’il n’a pas encore un an.
Adolescent, il étudie les langues à la FAC de Jussieu après avoir passé son bac. Fin des années 80, le jeune homme de Villeneuve-Saint-Georges assiste à la vague rap qui balaie les États-Unis. Attiré par ce mode d’expression typiquement black, il n’en demeure pas moins critique vis-à-vis du rap américain, trop englué dans les stéréotypes prônant la violence. Soucieux de se démarquer du rap d’outre-Atlantique, MC Solaar développe son propre style de musique, associant des textes aux connotations pacifistes et des sons empruntés au jazz.
Il fait ses premières armes dans l’émission de Dee Nasty sur Radio Nova. Lors d’un concert à Marly-le-Roi, il fait la connaissance de Jimmi Jay, avec lequel il envoie une cassette démo à Polydor. Séduit par les mots percutants et le flow du rappeur, la firme de disques lui propose un contrat.
Son premier album, Qui Sème le Vent Récolte le Tempo, s’écoule à plus de 400.000 exemplaires dans l’Hexagone. C’est le premier album de rap français certifié disque de platine. Il y aborde des thèmes comme la fraternité (Bouge de là) ou le matérialisme (Victime de la mode) et enchaîne les jeux de mots et figures de style qui deviendront sa marque de fabrique. Le tout emmené sur un groove fluide signé par son pote, Jimmy Jay.
Il s’ensuit une tournée triomphale un peu partout en Europe, en Afrique et même au Japon. Tournée au cours de laquelle il obtient une reconnaissance mondiale. Résultat: il participe à de nombreux projets dont notamment un duo avec Guru: Le Bien, le Mal. Très vite, Laarso apparaît comme le chef de file d’une nouvelle génération d’artistes. D’aucuns le comparent même à Gainsbourg.
En 1994, MC Solaar se fend d’un nouvel opus: Prose combat. Un album plus abouti et plus réfléchi où le poète du rap jongle à nouveau avec les mots et les formules qui font mouche sur des rythmiques au ralenti. On y retrouve les tubes Nouveau western (construit sur un « sample » de Gainsbourg), Obsolète et La concubine de l’hémoglobine, autant de dénonciations des plaies du monde moderne. En 1995, il compose un titre pour le film La Haine.
Après une petite pause salutaire, un troisième album, plutôt orienté funk, paraît en 1997: Paradisiaque. Solaar collabore dorénavant avec Boom Bass et Zdar. C’est l’album de Gangster Moderne. Un titre pas vraiment consensuel sur le fond mais pas non plus agressif dans la forme. Néanmoins, on note un rapprochement avec le « gangsta-rap » américain.
Dans la foulée de Paradisiaque, sort un album éponyme. C’est un semi-échec. Il est vrai que le ton a quelque peu changé et que la scène rap a elle aussi évolué. Claude y fait désormais figure d’ancien.
Après un live enregistré sur son nouveau label, Laarso nous revient en 2001 avec le Cinquième as. Il reste fidèle à sa ligne de conduite et donc assez éloigné des standards hip hop du moment. On peut y goûter ce mélange de thématiques sérieuses et de rap ludique, sans prise de tête. À noter tout de même le titre Solaar pleure qui en surprendra plus d’un par son côté mystique.
Le grand mérite du très discret MC Solaar est d’avoir sorti le rap hors des ghettos pour en faire un courant musical à part entière qui ne repose pas uniquement sur la technique et les samples mais aussi sur des textes travaillés et des musiques mélodieuses.
Zicactu
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[cherry_tab title= »Discographie »]
2017 : Géopoétique
2007 : Chapitre 7
2003 : Mach 6
2001 : Cinquième As
1999 : Le tour de la question
1998 : MC Solaar
1997 : Paradisiaque
1994 : Prose Combat
1991 : Qui sème le vent récolte le tempo
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[cherry_tab title= »Clips & Biographie »]
Voici un artiste qui a réussi le tour de force de séduire un large public tout en étant bossu, boiteux et laid. Une performance peu ordinaire.
Pierre Garand, de son vrai nom, voit le jour à Sherbrooke, dans la province de Québec, le 26 juin 1972. Après une enfance plutôt tranquille, il affiche, comme la plupart des ados, un caractère rebelle et un penchant pour les sorties nocturnes, ce qui lui vaudra le pseudo de Garou.
Attiré par la musique, il se met à pousser la chansonnette et à gratter sa guitare dans les bars du Québec. Il y interprète des chansons québécoises et françaises (il est fan de Joe Dassin). Il décide ensuite de monter un groupe de blues avec ses amis: Garou and The Untouchables. L’aventure durera près de 6 ans.
Le groupe reprend les standards du répertoire américain de la soul music et du rhythm & blues: James Brown, Joe Cocker, Otis Redding. Une expérience qui, conjuguée aux cigares et au scotch, ne manque pas de façonner sa voix éraillée, reconnaissable entre toutes.
Remarqué par Luc Plamondon, celui-ci l’engage en 1998 pour jouer le rôle de Quasimodo, le sonneur de cloche de Notre-Dame de Paris amoureux de la belle Esméralda. Un rôle ingrat (essayez de chanter pendant plus de deux heures tout en étant recroquevillé !) où Garou s’investit totalement.
C’est le début d’une grande aventure qui le mènera avec toute la troupe du spectacle sur les scènes canadiennes et européennes. Garou apparaît aussi sur toutes les chaînes francophones de télévision en compagnie de Patrick Fiori et Daniel Lavoie. Leur interprétation du titre Belle fait un véritable tabac. Bref, Garou devient en l’espace de quelques mois une star du show-biz.
Après avoir triomphé dans toute la francophonie, il prolonge l’expérience Quasimodo sur les scènes londoniennes avant de s’orienter vers une carrière solo, sous la houlette de René Angelil, l’époux de Céline Dion.
Son récent statut de star ne l’empêche cependant pas de rester simple et de garder les pieds sur terre. Amoureux de la nature, il s’est offert une maison au bord de l’eau où il espère recevoir ses copains. Il n’oublie pas les plus défavorisés: il a rejoint la tournée 2000 des Enfoirés et soutenu avec Hélène Segara la manifestation « Ensemble contre le Sida ».
Son premier album voit le jour en novembre 2000. Intitulé très sobrement Seul, il contient 14 titres dont 7 écrits par Luc Plamondon, son père spirituel. Y ont également participé Bryan Adams, Richard Cocciante et Didier Barbelivien, sans oublier Céline Dion avec laquelle il chante le titre le titre Sous le vent. L’album, certifié disque d’or quelques heures à peine après sa sortie, nous présente un Garou débarrassé des oripeaux de Quasimodo mais pas de sa voix rocailleuse. Seul regret, les mélodies, un peu trop conventionnelles.
zicactu.com
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Albums
2012 Rhythm And Blues
2009 Gentleman cambrioleur
2008 Piece Of My Soul
2006 Garou
2003 Reviens
2001 Seul…avec Vous
2001 Seul
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[cherry_tab title= »Clips & Biographie »]
C’est peu dire que Britney Spears ne fait pas l’unanimité, ni dans le milieu du show-biz, ni parmi les mélomanes. La blonde à forte poitrine prétendument siliconée ne s’y trompe d’ailleurs pas: « le show-business est un nid de vipères. J’y compte déjà pas mal d’ennemis. » Mais quel ‘crime’ a-t-elle donc commis pour déchaîner autant les passions et les polémiques ?
Retour en arrière. Née le 2 décembre 1981 à Kentwood, en Louisiane, Britney a fait ses premières armes dans le monde du spectacle dès son plus jeune âge: auditionnée à 8 ans pour figurer dans le Mickey Mouse Club, elle y fait une entrée officielle trois ans plus tard…
La jeune poupée blonde étudie entre-temps la danse à l’institut Off-Broadway Dance Center puis s’oriente vers l’art dramatique à l’école Professional Performing Arts School. Des efforts qui ne restent pas vains car elle apparaît dans de nombreux spots publicitaires et décroche même en 1991 un rôle dans une pièce de théâtre intitulée « Ruthless ».
Il s’ensuit une période de « semi-retraite » où Britney délaisse quelque peu le petit écran pour profiter de sa vie d’adolescente dans son village natal. Bien décidée à percer dans le milieu du show-biz, la torride jeune fille au nombril percé repart quelques années plus tard vers New York, la tête dans les étoiles.
Elle se produit tout d’abord dans un groupe local du nom de Innosense mais s’oriente bien vite vers une carrière solo. Repérée par l’un des responsables de Jive Records, elle signe un contrat et enregistre un premier album produit par deux managers réputés de la scène new-yorkaise, Eric Foster (Whitney Houston) et Max Martin (Backstreet Boys). C’est le début de la grande aventure.
Baby One More Time voit le jour en 1999. Mêlant rythmes funky et mélodies romantiques, cet album séduit un large public d’adolescents. Les chansons …Baby One More Time, (You Drive Me) Crazy et From the Bottom of My Broken Heart deviennent de véritables tubes et atteignent les sommets dans les hit-parades européens et américains. Bref, un succès qui ne passe pas inaperçu et qui ouvre la voie à toute une série de clones (clowns ?) de Britney dont on vous épargnera les noms.
La petite lolita américaine remet le couvert en 2000 avec Oops!… I Did It Again, un album (un peu trop) dans la lignée du précédent mais au moins l’annonce-t-elle clairement sur la pochette de l’album. On y retrouve ce mix de textes romantiques et mélodies acidulées qui l’a consacré reine de la pop à même pas vingt ans.
Que retenir de tout cela ? Ce n’est pas faire honte à la belle que d’écrire qu’elle se distingue davantage par son look de midinette que par son répertoire musical. Celle que ses plus ardents détracteurs surnomment la « couineuse » se défend cependant d’être une bombe sexuelle et de chanter en play-back lors de ses concerts. Elle met plutôt en exergue son rôle d’exemple pour la jeunesse (elle entend rester vierge jusqu’au mariage) et confond ses opposants par son parcours réellement unique dans l’histoire de la musique.
Alors, soupe commerciale ou pas ? Difficile à trancher mais elle construit en tout cas sa légende d’une main de maître et avec un sens du marketing hors du commun.
zicactu.com
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[cherry_tab title= »Discographie »]
Albums
2016 Glory
2013 Britney Jean
2011 Femme fatale
2009 The singles collection
2008 Circus
2007 Blackout
2005 B in the mix
2003 In the zone
2001 Britney
2000 Oops i did it again
1999 Baby one more time
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Si vous aimez les films du genre American Pie, Porky’s et autres nanars mettant en scène une « Fac en chaleur », nul doute que vous adorerez le groupe Blink-182.
Scatologique à souhait, ce groupe punk originaire de San Diego et dont l’humour vole au ras des pâquerettes (jetez un p’tit coup d’oeil sur leur site officiel), se forme en 1993 sous le nom de Blink autour de Mark Hoppus (basse), Tom Delonge (guitare et chant) et Scott Raynor (percussion).
Selon la légende blinkienne, ils se seraient rencontrés lors d’un congrès annuel de gynécologues en herbe en mal de travaux pratiques. Notez que le groupe existait déjà depuis 1991 mais sous un autre nom: El Cuatro and The Cajones.
Leur premier « chef d’oeuvre » voit le jour en 1994: Buddha. Un album tellement remarquable que nous enchaînerons directement avec le suivant: Cheshire Cat, sorti en 1995. Ce n’est pas vraiment un succès démentiel mais, bon, les trois potaches se font quand même remarquer dans le milieu punk et par un groupe irlandais éponyme qui menace de leur intenter un procès s’ils ne changent pas immédiatement leur nom de scène. Pas méchants pour un sou, Mark, Tom et Scott décident de rebaptiser leur formation Blink-182.
Nos trois joyeux lurons enchaînent ensuite avec le « Warped Tour », une tournée qui les amène à fréquenter des groupes comme Pennywise ou NOFX et à sévir un peu partout aux USA et au Canada.
Les trois compères, jamais à court d’idées et de blagues porno-odoriférantes, nous reviennent en 1997, pour le meilleur et pour le pire, avec un troisième album: Dude Ranch. Un opus qui reste fidèle à l’image du groupe: déjanté, immature et jouissif. Il suscite l’engouement des ados séduits par ce groupe punk-rock énergique qui ne se prend pas trop au sérieux. Résultat: une popularité croissante qui permet à Blink-182 de décrocher un contrat avec MCA.
Leur album suivant, Enema of the State, est du même tonneau (de bière) que les disques précédents, même si les trois jeunes gens, qui adorent se montrer tout nu ou presque (heureusement qu’ils sont mignons), font preuve d’un peu plus de maturité dans leur style musical. Cet album signale aussi l’arrivée d’un nouveau joyeux drille, Travis, en remplacement de Scott Raynor.
Blink-182 décroche en 2000 le prix du « best group video » lors des Videos Music Awards, cérémonie d’anthologie au cours de laquelle le groupe se produit avec une bonne vingtaine de nains faisant du trempoline, de la trottinette et d’autres clowneries… Bref, du Blink-182 tout craché.
zicactu.com
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[cherry_tab title= »Discographie »]
Albums
2016 California
2011 Neighborhoods
2003 Blink-182
2001 Take Off Your Pants and Jacket
1999 Enema of the State
1997 Dude Ranch
1994 Cheshire Cat
1994 Buddha
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[cherry_tab title= »Clips & Biographie »]
Si, pour beaucoup, le nom de Céline Dion reste avant tout lié à la bande originale du mégasuccès Titanic, c’est l’ensemble de son oeuvre qui mérite assurément un fameux coup de chapeau.
Avec plus de 100 millions d’albums vendus à travers le monde, Céline Dion s’est imposée comme l’une des valeurs sûres du show-biz et, ce qui ne gâte rien, avec autant de succès auprès du public francophone qu’anglophone. Une performance réellement remarquable dont très peu d’artistes pratiquant la langue de Voltaire peuvent se vanter, si ce n’est sans doute Charles Aznavour ou le regretté Maurice Chevalier.
Céline voit le jour 30 mars 1968 dans une petite cité québécoise: Charlemagne. Cadette d’une famille de 14(!) enfants, elle s’intéresse dès son plus jeune âge au monde de la musique, encouragée par ses parents et ses frères et soeurs qui, pour la plupart, jouent d’un instrument.
A douze ans, la future superstar compose une première chanson intitulée Ce n’était qu’un rêve avec l’aide de sa mère et d’un de ses frères. La cassette est envoyée à un manager québécois: René Angelil. Subjugué par la voix de la jeune interprète, il finance l’enregistrement des deux premiers disques de Céline en hypothéquant sa propre maison.
La popularité de l’adolescente croît rapidement dans sa province natale: elle enregistre notamment des chants traditionnels de Noël où sa voix extraordinaire (La voix du bon dieu) fait merveille. Le succès rencontré convainc René Angélil de tenter l’aventure sur le marché français.
En 1983, le single D’amour et d’amitié envahit les bacs des disquaires hexagonaux. Il devient disque d’or et se vend à plus de 500.000 exemplaires. Elle enchaîne alors les tournées dans la Belle Province et la France, tout en continuant à travailler sur de nouvelles chansons.
En mai 1988, Céline participe au concours Eurovision en tant que représentante de la Suisse. Elle remporte le trophée grâce à son interprétation de Ne partez pas sans moi et acquiert par la même occasion une dimension internationale.
Seul le marché américain lui résiste encore. Plus pour longtemps… Son album Unison séduit l’Oncle Sam (disque d’or). Une notoriété qui se transforme bien vite en consécration grâce à la « Belle et la Bête », une superproduction des studios Disney où Céline interprète en duo avec Peabo Bryson la chanson-titre de la bande originale, chanson pour laquelle elle décroche l’Oscar à Hollywood.
Curieusement, c’est au moment de l’envol de sa carrière internationale que Céline rencontre le plus de difficultés à asseoir sa notoriété en France. Du moins jusqu’à la sortie du disque D’eux, un opus créé avec la complicité de Jean-Jacques Goldman.
1994 marque un tournant dans la vie privée de l’artiste: elle épouse René, son manager, au cours d’une fastueuse cérémonie. Le coup de foudre amoureux succède en quelque sorte au coup de foudre professionnel.
Nouvelle performance de choix pour l’artiste québécoise en 1996: elle interprète une chanson inédite, The Power of The Dream, lors de la cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques d’Atlanta.
Mais la meilleure artiste pop des années 90 (l’un de ses nombreux titres de gloire) pulvérise tous ses précédents records dans les ‘charts’ américains et européens avec My Heart Will Go On, la chanson phare accompagnant la belle Kate et le charmant Léo dans leur titanesque aventure sur tous les écrans du monde.
Après 10 ans de présence au sommet, « Miss Titanic » décide de ralentir quelque peu la cadence à l’approche du nouveau millénaire, préférant se consacrer davantage à sa vie de famille et son premier enfant, René-Charles.
Zicactu
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[cherry_tab title= »Discographie »]
Albums
2016 Encore un soir
2013 Loved Me Back To Life
2012 Sans attendre
2007 Taking Chances
2007 D’elles
2005 On ne change pas
2004 Miracle
2004 A New Day Live in Vegas
2003 Une fille & 4 types
2003 One Heart
2002 A New Day Has Come
1999 All The Way – A Decade of Songs
1999 Au coeur du stade – Live
1998 These Are Special Times
1998 S’il suffisait d’aimer
1997 Let’s Talk About Love
1997 C’est pour vivre
1996 Live à Paris
1996 Falling Into You
1995 D’eux
1995 Les premières années
1994 Live à l’Olympia
1993 The Colour of My Love
1992 Celine Dion
1991 Dion Chante Plamondon
1990 Unison
1987 Incognito
1986 Les chansons en or
1985 C’est pour toi
1984 Les plus grand succès de Céline Dion
1984 Mélanie
1984 Les oiseaux du bonheur
1983 Les chemins de ma maison
1983 Du soleil au coeur
1983 Chants et contes de Noël
1982 Tellement j’ai d’amour…
1981 Céline Dion chante Noël
1981 La voix du bon Dieu
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